Dahi kafalar
New member
1990’ların başında, tek kelimeyle iğrenç olan çağdaş bir klasik parçayı söylemekle görevlendirilmiş bir korodaydım. Neredeyse isteyerek öyle görünüyordu. Herhangi bir ana anahtarda değildi – atonaldi – dinleyiciye temel bir his vermiyor, bunun yerine sadece sonik spektrumun her tarafında sürünüyordu. Kulağıma göre eser hiçbir güzellik, sıralama veya orantı sunmuyordu. Merdivenden aşağı atılan bir çatal-bıçak çekmecesini dinlemeyi tercih edeceğimi düşündüğümü hatırlıyorum.
Oldukça (nispeten) yeni klasik müzik insanları bu şekilde etkiliyor. Ve eğer öyleyse, duydukları şeyin – bilseler de bilmeseler de – bestecinin öncülük ettiği, dinleyiciye düşmanca bilinen 12 tonlu beste yöntemiyle (bir tür sericilik olarak bilinen) bestelenmiş müzik olma şansları var. Arnold Schoenberg, 20. yüzyılın başlarında. Mülayim 12-ton adının size gerçekten söylemediği şey, tekniğin tonaliteyi atonalite ile değiştirdiğidir. Britannica Ansiklopedisi’ndeki sıradan bir tanımlamanın açıkladığı gibi, böyle bir sistemde, “herhangi bir nota odak noktası olarak baskın olmaz ve bireysel tonlara herhangi bir önem hiyerarşisi atanmaz.” Karşılaştığınız şey bunun gibi bir şey. “William Tell” uvertürü veya Beethoven’ın Beşinci Senfonisi, öyle değil.
Yine de yöntemin uygulayıcılarından bazılarına, kulağa hoş gelen müziğe yönelik daha sezgisel bir özlemi gelişmişlik eksikliği olarak nitelendirerek bu tür müziğin kaçınılmaz bir ilerleme olduğu fikrine kapıldılar: Besteci Pierre Boulez , “Dodekafonik dilin gerekliliğini deneyimlememiş – anlaşılmış demiyorum, ama tam anlamıyla deneyimlemiş – herhangi bir müzisyen işe yaramaz” – “dodekafonik” 12 ton anlamına gelir ve “yararsız” sizi, yakut anlamına gelir.
Kendini ileri görüşlü olarak gören biri için bu, görmezden gelinmesi zor bir beyandır. Bu korkunç koro parçasını bir bariton arkadaşıma kabul ettiğimi söyledikten sonra, Luciano Berio gibi kendi açısından güzel olduğuna inandığı bazı çağdaş klasikleri dinlememi şiddetle önerdi. O zamanlar, kendimi okullu gibi hissettim, en azından klasik müziğin bir noktadan sonra çirkinlikten başka gidecek hiçbir yeri olmadığı olasılığını düşünmeye zorlandım. Belki daha geleneksel klasiğin tanıdık tonalitesi ve güzelliği – Chopin veya Schumann’ın eseri – dışarı atıldı.
Ya da değil.
O anda müzikal ufkum muhtemelen genişlemiş olsa da (tamamen cesaretli olmasam bile), klasik müziğin gelişimine dair tüm anlayışım, son zamanlarda, iki vahiy tarafından eşzamanlı olarak altüst oldu ve düzenlendi. Burada bahsettiğim gibi, Joseph Horowitz’in “Dvorak’s Prophecy: And the Vexed Fate of Black Classical Music” adlı kitabı, dinleyicilerin Dvorak’ın Amerikan klasik müziğinin kendi yerel alt yapımız olan Kızılderili müziğine ve özellikle Siyah müziğine dayalı olarak gelişmesi çağrısına direndiğini gösteriyor.
Horowitz’in analizine göre, 20. yüzyılın sonlarında dinleyici-düşmanca olmayan atonal klasik müziğin egemenlik değilse bile ortaya çıkışı, daha çok bir yan gösteri olarak görülmeliydi. Şöyle yazıyor: “Burada öne sürdüğüm, geçmişe uzanan yeni Amerikan klasik müziği paradigması, 20. yüzyılı bir Ur-anlatısında bir sapma olarak ele alıyor. Modernist dev, zaferleri ne olursa olsun, ıssız zirvelere arkadan yükseldi.”
Şimdi, şef John Mauceri (çalışmalarını ilk Times bültenlerimden birinde tartıştım) “The War on Music: Reclaiming the Twentieth Century”de bu hikayeyi genişletiyor, bize sadece hiçbir şey hissetmememiz gerektiğini öğretiyor. Çirkin, mekanik olarak inşa edilmiş müzikten hoşlanmamak, ancak sofistike ve karmaşık, ancak kolayca sevilebilir klasik müzikle dolu depolar var, bazılarını rezil rejimlerle bir ilişkiden dolayı duymuyoruz.
Mauceri’nin yazdığı gibi, “Hitler, Mussolini ve Stalin, rejimlerine resmi bir ses getirecek üslup taleplerine sahipti.” Ülkelerinin üçünde de “deneysel olarak kabul edilebilecek her şeyle birlikte tonsuz ve 12 tonlu müziği susturdular.” İtalya’da, Verdi tarzındaki büyük opera geleneğindeki müzik, resmi makamlar tarafından benimsendi, ancak daha sonra dernek tarafından lekelendi. Mauceri, Stalin’in Rusya’da “Sosyalist Gerçekçiliği – meydan okurcasına deneysel olmayan müziği” destekleyen bir politika dikte ettiğini açıklıyor. Ünlü besteciler Prokofiev ve Shostakovich, “onaylama ve yok etme arasında” ince bir çizgide yürüdüler. Dmitri Kabalevsky, Aram Khachaturian ve diğerleri gibi daha az bilinen besteciler artık çok az icra ediliyor. (Gabby’de, 1941 Broadway müzikali “Lady in the Dark”tan baş döndürücü şarkı “Tschaikowsky”, birçoğunu neredeyse hiç duymadığımız uzun bir Rus besteci listesi çıldırdı.)
Mauceri şöyle yazıyor: “Nesiller geçtikçe, bu estetik yargıların bir kaynağı -Nazilerin ve Faşistlerin ırkçı politikaları ve Sovyet Komünizmine karşı savaş- unutuldu ve savaş sonrası estetik sonuçlar nesnel olarak kabul edildi. Ve hayatımızdan bu kadar çok müziği ve bu kadar besteciyi çıkardıktan sonra karşılığında ne aldık?”
Nazi Almanyası’nın yükselişiyle sürgüne giden, şimdiki Çek Cumhuriyeti’nden Yahudi besteci Erich Wolfgang Korngold’u da düşünün. Müziği – “Das Wunder der Heliane” operasından Errol Flynn filmi “The Adventures of Robin Hood”un müziğine kadar – zekice tatlıdır, karmaşıklıktan yoksun değildir, ancak erişilebilir kalır. Ancak 20. yüzyılın ortalarında atonal modanın etkisi o kadar fazlaydı ki Korngold’un müziği bazı çevrelerde sadece Hollywood “kitsch” olarak görülüp reddedildi. Mauceri, Hollywood müziğinin bu reddedilişini haklı ve ustaca reddediyor ve John Williams (“Yıldız Savaşları”!), Miklos Rosza (“Ben-Hur”) ve diğerlerinin çalışmalarını, post-Romantik klasiğin sağlıklı, sonsuz yaratıcı bir devamı olarak görüyor. müzik geleneği.
Horowitz ve Mauceri’nin “Ya eğer?” klasik müziğin yörüngesini yeniden çerçevelemek, çeşitli klasik müzik türleri hakkında neden böyle hissettiğimi açıklamama yardımcı oldu. 30 yıl önce Berio’yu dinlediğimde, içimde “Porgy and Bess” özlemi uyandırdı. Şimdi nedenini biliyorum ve bunda müzikal bir anlamsızlık hissetmiyorum. Başka bir Flynn aracı olan 1940 macera filmi “The Sea Hawk”ı izlediğimde nedenini şimdi anlıyorum, harika vurgulamalar beni o kadar şaşırttı ki, olay örgüsüne ayak uydurmayı unuttum – bu bir Korngold puanıydı. Cognoscenti tarafından ayrı olarak kaydedilmesine yeterince değer verilir, ancak bir konser salonunda, ifade gücü veya ağırlık bakımından Brahms’ın çalışmasından niteliksel bir fark olmamasına rağmen, muhtemelen yine de “pop” olarak sınıflandırılır.
Gerçekten de – ve Horowitz veya Mauceri’nin bu konuda benimle anlaşacağından şüpheliyim – Amerika’nın yapısal olarak daha iddialı müzikal tiyatroları genellikle “La Bohème” veya “Der Rosenkavalier” kadar sanatsal açıdan zengindir. Melodi ve armoni odaklı bir tarzda geleneksel olarak bestelenmiş bir orkestra için yazıldığında, müzikal temellerindeki Siyah Amerika doğumlu gerginlik göz önüne alındığında, yalnızca burada ortaya çıkabilecek bir Amerikan klasik müziği olarak en iyi Hollywood notalarıyla birlikte dururlar.
Örneğin, daha önce Stephen Sondheim’ın çalışmasına duyduğum coşkuya geri dönersek, 1964 “Anyone Can Whistle”, benim için herhangi bir opera kadar temel, totem ve tarif edilemez. Kendini beğenmiş bir belediye başkanının yönettiği, bir akıl hastanesine ev sahipliği yapan, akıl hastanesindeki hemşirelerden birinin işkence görmüş, karizmatik ve tuhaf bir şekilde seksi bir dolandırıcıyla aşk yaşadığı hüzünlü küçük bir kasabayı tasvir ediyor. Sondheim, bu karışıklığı müziğe zarif bir şekilde yerleştirdi.
Şarkılarından biri olan “Simple”, değişen ölçü ve tempolarda iç içe geçmiş müzik tarzlarıyla akıl hastalığının tanımının ne kadar zor olduğu (evet!) hakkında 13 dakikalık bir smorgasbord. Oldukça basit bir şekilde, Wagner ya da Strauss’un yaptığı düzeyde bir dahidir. Bir diğeri, “Ben ve Kasabam” hüzünlü ve ahenkli bir sabırsızlıkla başlıyor ve pıtırtı bir topluluk parçasına dönüşüyor.
Tek başına orkestrasyonlar muhteşem – kemanlar veya viyolalar yerine çellolar, bu da her şeyin kulağa biraz daha kasvetli gelmesini sağlıyor. Hemşirenin “Trompet Olmayacak”ın başlangıcında gelecek olan kara kara düşünmeyi, sıcak odaklı zekice konuşmayı betimlemek için tehditkar bir şekilde inleyen Fransız boynuzları var; ve aralığının altında çalan yalnız solo flüt – neredeyse geviş getiren ve yalnız olduğu için üzgün biri gibi geliyordu – “With So Little To Be Mühlet Of” adlı acıklı romantik düeti getirmek için.
“Anyone Can Whistle”ın orijinal Broadway oyuncu kaydı ilk CD’lerimden biriydi ve bir nedeni vardı. Bu sadece bir “müzikal” değil. Bu, daha önce “Tosca” ve “Salomé” tarafından üstlenilen sanatsal görevin yeniden ayarlanması, kırılması, parlatılmasıdır: tutkulu, karmaşık ve kusursuz müzikal drama. Klasik müzik, filmler ve hatta Mauceri’nin de belirttiği gibi, günümüzün gelişmiş görüntü oyunlarından bazılarının zengin puanlamaları da dahil olmak üzere etrafımızda çok fazla yer değiştirdi. Hikâyesinin, duyuları memnun etmek kadar önemsiz bir şeyden kaçınmanın asık suratlı başarısı için küçük bir çevre tarafından değer verilen işe kasvetli bir iniş olması gerekmez.
Eklemeliyim: Son zamanlarda başka bir tür çağdaş klasik müzikle karşılaşma zevkini yaşadım. Birkaç hafta önce William Bolcom’un çağdaş ragtime parçaları yazdığından bahsetmiştim. Genç besteci Vincent Matthew Johnson bunu daha yakın zamanda yaptı ve piyanist Max Keenlyside’ın birkaç eserinin bir kaydı, Scott Joplin’den bu yana geçen meşaleyi alan ve Bolcom ruhunda devam eden ve sürekliliğini koruyan ragtime yaratan bir besteci ortaya koyuyor. tür hiç hareketli.
Burada ilginç bir şey yok – Johnson’ın bazı parçaları, deneyimli bir müzisyen olmayan herkesin yeteneğinin ötesindedir. Ancak bana göre eserlerinden biri, çağdaş bir dille yazılmış T harfine ragtime: CD’nin tamamı muhteşem, ama benim için en sevdiğim beş dakikalık klasik müzik olan “Blue-Berry Pancakes”e doyamıyorum. bu ay.
Geri bildiriminiz var mı? [email protected] adresine bir not gönderin.
John McWhorter (@JohnHMcWhorter) Columbia Üniversitesi’nde dilbilim alanında doçenttir. “Lexicon Valley” adlı podcast’e ev sahipliği yapıyor ve en son “Woke Irkçılık: How a New Religion Has Betrayed Black America”nın yazarı.
Oldukça (nispeten) yeni klasik müzik insanları bu şekilde etkiliyor. Ve eğer öyleyse, duydukları şeyin – bilseler de bilmeseler de – bestecinin öncülük ettiği, dinleyiciye düşmanca bilinen 12 tonlu beste yöntemiyle (bir tür sericilik olarak bilinen) bestelenmiş müzik olma şansları var. Arnold Schoenberg, 20. yüzyılın başlarında. Mülayim 12-ton adının size gerçekten söylemediği şey, tekniğin tonaliteyi atonalite ile değiştirdiğidir. Britannica Ansiklopedisi’ndeki sıradan bir tanımlamanın açıkladığı gibi, böyle bir sistemde, “herhangi bir nota odak noktası olarak baskın olmaz ve bireysel tonlara herhangi bir önem hiyerarşisi atanmaz.” Karşılaştığınız şey bunun gibi bir şey. “William Tell” uvertürü veya Beethoven’ın Beşinci Senfonisi, öyle değil.
Yine de yöntemin uygulayıcılarından bazılarına, kulağa hoş gelen müziğe yönelik daha sezgisel bir özlemi gelişmişlik eksikliği olarak nitelendirerek bu tür müziğin kaçınılmaz bir ilerleme olduğu fikrine kapıldılar: Besteci Pierre Boulez , “Dodekafonik dilin gerekliliğini deneyimlememiş – anlaşılmış demiyorum, ama tam anlamıyla deneyimlemiş – herhangi bir müzisyen işe yaramaz” – “dodekafonik” 12 ton anlamına gelir ve “yararsız” sizi, yakut anlamına gelir.
Kendini ileri görüşlü olarak gören biri için bu, görmezden gelinmesi zor bir beyandır. Bu korkunç koro parçasını bir bariton arkadaşıma kabul ettiğimi söyledikten sonra, Luciano Berio gibi kendi açısından güzel olduğuna inandığı bazı çağdaş klasikleri dinlememi şiddetle önerdi. O zamanlar, kendimi okullu gibi hissettim, en azından klasik müziğin bir noktadan sonra çirkinlikten başka gidecek hiçbir yeri olmadığı olasılığını düşünmeye zorlandım. Belki daha geleneksel klasiğin tanıdık tonalitesi ve güzelliği – Chopin veya Schumann’ın eseri – dışarı atıldı.
Ya da değil.
O anda müzikal ufkum muhtemelen genişlemiş olsa da (tamamen cesaretli olmasam bile), klasik müziğin gelişimine dair tüm anlayışım, son zamanlarda, iki vahiy tarafından eşzamanlı olarak altüst oldu ve düzenlendi. Burada bahsettiğim gibi, Joseph Horowitz’in “Dvorak’s Prophecy: And the Vexed Fate of Black Classical Music” adlı kitabı, dinleyicilerin Dvorak’ın Amerikan klasik müziğinin kendi yerel alt yapımız olan Kızılderili müziğine ve özellikle Siyah müziğine dayalı olarak gelişmesi çağrısına direndiğini gösteriyor.
Horowitz’in analizine göre, 20. yüzyılın sonlarında dinleyici-düşmanca olmayan atonal klasik müziğin egemenlik değilse bile ortaya çıkışı, daha çok bir yan gösteri olarak görülmeliydi. Şöyle yazıyor: “Burada öne sürdüğüm, geçmişe uzanan yeni Amerikan klasik müziği paradigması, 20. yüzyılı bir Ur-anlatısında bir sapma olarak ele alıyor. Modernist dev, zaferleri ne olursa olsun, ıssız zirvelere arkadan yükseldi.”
Şimdi, şef John Mauceri (çalışmalarını ilk Times bültenlerimden birinde tartıştım) “The War on Music: Reclaiming the Twentieth Century”de bu hikayeyi genişletiyor, bize sadece hiçbir şey hissetmememiz gerektiğini öğretiyor. Çirkin, mekanik olarak inşa edilmiş müzikten hoşlanmamak, ancak sofistike ve karmaşık, ancak kolayca sevilebilir klasik müzikle dolu depolar var, bazılarını rezil rejimlerle bir ilişkiden dolayı duymuyoruz.
Mauceri’nin yazdığı gibi, “Hitler, Mussolini ve Stalin, rejimlerine resmi bir ses getirecek üslup taleplerine sahipti.” Ülkelerinin üçünde de “deneysel olarak kabul edilebilecek her şeyle birlikte tonsuz ve 12 tonlu müziği susturdular.” İtalya’da, Verdi tarzındaki büyük opera geleneğindeki müzik, resmi makamlar tarafından benimsendi, ancak daha sonra dernek tarafından lekelendi. Mauceri, Stalin’in Rusya’da “Sosyalist Gerçekçiliği – meydan okurcasına deneysel olmayan müziği” destekleyen bir politika dikte ettiğini açıklıyor. Ünlü besteciler Prokofiev ve Shostakovich, “onaylama ve yok etme arasında” ince bir çizgide yürüdüler. Dmitri Kabalevsky, Aram Khachaturian ve diğerleri gibi daha az bilinen besteciler artık çok az icra ediliyor. (Gabby’de, 1941 Broadway müzikali “Lady in the Dark”tan baş döndürücü şarkı “Tschaikowsky”, birçoğunu neredeyse hiç duymadığımız uzun bir Rus besteci listesi çıldırdı.)
Mauceri şöyle yazıyor: “Nesiller geçtikçe, bu estetik yargıların bir kaynağı -Nazilerin ve Faşistlerin ırkçı politikaları ve Sovyet Komünizmine karşı savaş- unutuldu ve savaş sonrası estetik sonuçlar nesnel olarak kabul edildi. Ve hayatımızdan bu kadar çok müziği ve bu kadar besteciyi çıkardıktan sonra karşılığında ne aldık?”
Nazi Almanyası’nın yükselişiyle sürgüne giden, şimdiki Çek Cumhuriyeti’nden Yahudi besteci Erich Wolfgang Korngold’u da düşünün. Müziği – “Das Wunder der Heliane” operasından Errol Flynn filmi “The Adventures of Robin Hood”un müziğine kadar – zekice tatlıdır, karmaşıklıktan yoksun değildir, ancak erişilebilir kalır. Ancak 20. yüzyılın ortalarında atonal modanın etkisi o kadar fazlaydı ki Korngold’un müziği bazı çevrelerde sadece Hollywood “kitsch” olarak görülüp reddedildi. Mauceri, Hollywood müziğinin bu reddedilişini haklı ve ustaca reddediyor ve John Williams (“Yıldız Savaşları”!), Miklos Rosza (“Ben-Hur”) ve diğerlerinin çalışmalarını, post-Romantik klasiğin sağlıklı, sonsuz yaratıcı bir devamı olarak görüyor. müzik geleneği.
Horowitz ve Mauceri’nin “Ya eğer?” klasik müziğin yörüngesini yeniden çerçevelemek, çeşitli klasik müzik türleri hakkında neden böyle hissettiğimi açıklamama yardımcı oldu. 30 yıl önce Berio’yu dinlediğimde, içimde “Porgy and Bess” özlemi uyandırdı. Şimdi nedenini biliyorum ve bunda müzikal bir anlamsızlık hissetmiyorum. Başka bir Flynn aracı olan 1940 macera filmi “The Sea Hawk”ı izlediğimde nedenini şimdi anlıyorum, harika vurgulamalar beni o kadar şaşırttı ki, olay örgüsüne ayak uydurmayı unuttum – bu bir Korngold puanıydı. Cognoscenti tarafından ayrı olarak kaydedilmesine yeterince değer verilir, ancak bir konser salonunda, ifade gücü veya ağırlık bakımından Brahms’ın çalışmasından niteliksel bir fark olmamasına rağmen, muhtemelen yine de “pop” olarak sınıflandırılır.
Gerçekten de – ve Horowitz veya Mauceri’nin bu konuda benimle anlaşacağından şüpheliyim – Amerika’nın yapısal olarak daha iddialı müzikal tiyatroları genellikle “La Bohème” veya “Der Rosenkavalier” kadar sanatsal açıdan zengindir. Melodi ve armoni odaklı bir tarzda geleneksel olarak bestelenmiş bir orkestra için yazıldığında, müzikal temellerindeki Siyah Amerika doğumlu gerginlik göz önüne alındığında, yalnızca burada ortaya çıkabilecek bir Amerikan klasik müziği olarak en iyi Hollywood notalarıyla birlikte dururlar.
Örneğin, daha önce Stephen Sondheim’ın çalışmasına duyduğum coşkuya geri dönersek, 1964 “Anyone Can Whistle”, benim için herhangi bir opera kadar temel, totem ve tarif edilemez. Kendini beğenmiş bir belediye başkanının yönettiği, bir akıl hastanesine ev sahipliği yapan, akıl hastanesindeki hemşirelerden birinin işkence görmüş, karizmatik ve tuhaf bir şekilde seksi bir dolandırıcıyla aşk yaşadığı hüzünlü küçük bir kasabayı tasvir ediyor. Sondheim, bu karışıklığı müziğe zarif bir şekilde yerleştirdi.
Şarkılarından biri olan “Simple”, değişen ölçü ve tempolarda iç içe geçmiş müzik tarzlarıyla akıl hastalığının tanımının ne kadar zor olduğu (evet!) hakkında 13 dakikalık bir smorgasbord. Oldukça basit bir şekilde, Wagner ya da Strauss’un yaptığı düzeyde bir dahidir. Bir diğeri, “Ben ve Kasabam” hüzünlü ve ahenkli bir sabırsızlıkla başlıyor ve pıtırtı bir topluluk parçasına dönüşüyor.
Tek başına orkestrasyonlar muhteşem – kemanlar veya viyolalar yerine çellolar, bu da her şeyin kulağa biraz daha kasvetli gelmesini sağlıyor. Hemşirenin “Trompet Olmayacak”ın başlangıcında gelecek olan kara kara düşünmeyi, sıcak odaklı zekice konuşmayı betimlemek için tehditkar bir şekilde inleyen Fransız boynuzları var; ve aralığının altında çalan yalnız solo flüt – neredeyse geviş getiren ve yalnız olduğu için üzgün biri gibi geliyordu – “With So Little To Be Mühlet Of” adlı acıklı romantik düeti getirmek için.
“Anyone Can Whistle”ın orijinal Broadway oyuncu kaydı ilk CD’lerimden biriydi ve bir nedeni vardı. Bu sadece bir “müzikal” değil. Bu, daha önce “Tosca” ve “Salomé” tarafından üstlenilen sanatsal görevin yeniden ayarlanması, kırılması, parlatılmasıdır: tutkulu, karmaşık ve kusursuz müzikal drama. Klasik müzik, filmler ve hatta Mauceri’nin de belirttiği gibi, günümüzün gelişmiş görüntü oyunlarından bazılarının zengin puanlamaları da dahil olmak üzere etrafımızda çok fazla yer değiştirdi. Hikâyesinin, duyuları memnun etmek kadar önemsiz bir şeyden kaçınmanın asık suratlı başarısı için küçük bir çevre tarafından değer verilen işe kasvetli bir iniş olması gerekmez.
Eklemeliyim: Son zamanlarda başka bir tür çağdaş klasik müzikle karşılaşma zevkini yaşadım. Birkaç hafta önce William Bolcom’un çağdaş ragtime parçaları yazdığından bahsetmiştim. Genç besteci Vincent Matthew Johnson bunu daha yakın zamanda yaptı ve piyanist Max Keenlyside’ın birkaç eserinin bir kaydı, Scott Joplin’den bu yana geçen meşaleyi alan ve Bolcom ruhunda devam eden ve sürekliliğini koruyan ragtime yaratan bir besteci ortaya koyuyor. tür hiç hareketli.
Burada ilginç bir şey yok – Johnson’ın bazı parçaları, deneyimli bir müzisyen olmayan herkesin yeteneğinin ötesindedir. Ancak bana göre eserlerinden biri, çağdaş bir dille yazılmış T harfine ragtime: CD’nin tamamı muhteşem, ama benim için en sevdiğim beş dakikalık klasik müzik olan “Blue-Berry Pancakes”e doyamıyorum. bu ay.
Geri bildiriminiz var mı? [email protected] adresine bir not gönderin.
John McWhorter (@JohnHMcWhorter) Columbia Üniversitesi’nde dilbilim alanında doçenttir. “Lexicon Valley” adlı podcast’e ev sahipliği yapıyor ve en son “Woke Irkçılık: How a New Religion Has Betrayed Black America”nın yazarı.